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Juan de Pareja

An artist who was neither a slave nor a black man

노예도 흑인도 아닌 한 사람의 예술가

Ein Künstler, der weder Sklave noch Schwarzer war

It cannot be denied that the latest trend in the art world is black art. In many art fairs and auctions, the works of many black artists, such as Jadé Fadojutimi (1993-) and Kerry James Marshall (1955-), are strong, and Jean-Michel Basquiat (Jean-Michel Basquiat, 1960-1988) and other black masters' exhibitions are also attracting great interest.

At the same time that black art is attracting attention in the contemporary art world, efforts to reevaluate the works and lives of African artists of the past are also taking place in the art history world. It can be seen as part of these efforts by evangelical historians and curators of 《Juan de Pareja, Afro-Hispanic Painter》, which has been held at the Metropolitan Museum of Art in New York with great success since last April.

최근의 미술계의 트렌드는 흑인 예술임을 부정할 수 없을 것이다. 많은 아트 페어들과 옥션에서 자데 파도주티미(Jadé Fadojutimi, 1993-), 캐리 제임스 마샬(Kerry James Marshall, 1955-) 등 많은 흑인 작가들의 작품이 강세를 보이고 있으며 장 미셸 바스키아(Jean-Michel Basquiat,1960-1988) 를 비롯한 흑인 거장들의 전시 역시 큰 관심을 끌고 있다. 

이렇게 흑인 미술이 현대 예술계에서 주목받음과 동시에 과거의 아프리카계 작가들의 작품과 삶을 재평가하려는 노력이 예술사학계에서도 일어나고 있다. 지난 4월부터 뉴욕 메트로폴리탄 미술관에서 성황리에 열리고 있는 《후안 데 파레하: 아프리카계 히스패닉 화가(Juan de Pareja, Afro-Hispanic Painter)》전도 사학자들과 큐레이터들의 이러한 노력의 일환이라고 볼 수 있겠다.

Es lässt sich nicht leugnen, dass der neueste Trend in der Kunstwelt die schwarze Kunst ist. Auf vielen Kunstmessen und Auktionen sind die Werke vieler schwarzer Künstler wie Jadé Fadojutimi (1993-) und Kerry James Marshall (1955-) stark vertreten, ebenso wie Jean-Michel Basquiat (Jean-Michel Basquiat, 1960-1988) und Auch andere Ausstellungen schwarzer Meister stoßen auf großes Interesse.

Während schwarze Kunst in der zeitgenössischen Kunstwelt zunehmend Aufmerksamkeit erregt, gibt es auch in der Kunstgeschichte Bestrebungen, die Werke und das Leben afrikanischer Künstler der Vergangenheit neu zu bewerten. Es kann als Teil dieser Bemühungen evangelikaler Historiker und Kuratoren von „Juan de Pareja, Afro-Hispanic Painter“ gesehen werden, das seit April letzten Jahres mit großem Erfolg im Metropolitan Museum of Art in New York stattfindet.

Juan de Pareja (ca.1606-1670) is known to have been born as a slave in Malaga, southern Spain, around 1606, but nothing else is known about his early life. When Pareja reappeared in history, he was already working as a slave in Seville for the Spanish painter Diego Velázquez (Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, 1599-1660).

Pareha began to learn the basics of painting over his shoulder by arranging sketches or helping with color mixing in Velázquez's studio for about 20 years. At the time, mixing paints was a very demanding task, but despite being his slave, Pareha showed an excellent sense of color, catching subtle differences in each color and accurately matching the necessary colors. Velázquez soon recognized Pareja's artistic talent and recognized him as a person, not as a slave, and as an assistant. Velázquez's affection for Pareha is later revealed as a work that has caused a great sensation in the art world.

후안 데 파레하(Juan de Pareja, ca.1606~1670)는 약 1606년경 스페인 남부 말라가에서 노예로 태어났다고 알려져 있지만 그 외의 초기 생애에 관해서는 알려진 것이 없다. 파레하가 역사에 다시 등장했을 때는 그가 세비야에서 이미 스페인 불세출(不世出)의 화가 디에고 벨라스케스(Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, 1599~1660)의 노예로 일을 하고 있을 시기였다. 

파레하는 약 20년간 벨라스케스의 작업실에서 스케치를 정리하거나 물감 조색을 도우며 어깨너머로 그림에 대한 기초를 익히기 시작했다. 당시 물감 조색은 매우 까다로운 작업이었는데, 파레하는 노예임에도 불구하고 색의 미묘한 차이를 캐치하고 정확하게 필요한 색을 조색 하는 등 색감에 대한 탁월한 센스를 보였다. 벨라스케스는 곧 파레하의 예술적 재능을 알아보고 그를 노예가 아닌 한 인격체로서, 그리고 조수로서 인정하였다. 벨라스케스의 파레하에 대한 애정은 이후 예술계에 큰 센세이션을 몰고 온 한 작품으로 드러나게 된다.

Es ist bekannt, dass Juan de Pareja (ca. 1606-1670) um 1606 als Sklave in Malaga, Südspanien, geboren wurde, über sein frühes Leben ist jedoch nichts anderes bekannt. Als Pareja wieder in die Geschichte einging, arbeitete er bereits als Sklave in Sevilla für den spanischen Maler Diego Velázquez (Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, 1599–1660).

Pareha lernte die Grundlagen der Malerei über seine Schulter, indem er etwa 20 Jahre lang im Atelier von Velázquez Skizzen arrangierte oder bei der Farbmischung half. Zu dieser Zeit war das Mischen von Farben eine sehr anspruchsvolle Aufgabe, aber obwohl Pareha sein Sklave war, zeigte er ein ausgezeichnetes Gespür für Farben, indem er subtile Unterschiede in jeder Farbe wahrnahm und die erforderlichen Farben genau aufeinander abstimmte. Velázquez erkannte bald Parejas künstlerisches Talent und erkannte ihn als Person, nicht als Sklaven, sondern als Assistenten. Velázquez' Zuneigung zu Pareha wird später als ein Werk offenbart, das in der Kunstwelt großes Aufsehen erregt hat.


Diego Velázquez, Juan de Pareja, Oil on canvas, 81.3 x 69.9 cm, 1650 ©Metropolitan Museum of Art, New York

At that time, Velázquez was already a famous Spanish court painter who had great success as a court painter, and royalty and nobles waited in line to commission his paintings, especially portraits. In the midst of such a busy schedule, at an exhibition at the Pantheon in Rome in 1650, Velázquez presented a new portrait that caused great controversy at the time, namely <Juan de Pareja> (1650). In his work, slaves at the time of pareha wear white collars that could not be worn, and they confidently look at the audience outside the screen in an upright pose. In addition, Velazquez mainly uses dark and heavy colors in his works, adding a serious and luxurious feeling to him, and making us forget that what he painted is a portrait of a slave.


It was very unusual to draw portraits of slaves, which were considered taboo at the time, and the audience was even more shocked because it was the work of Velázquez, who, as a royal painter, produced portraits of noble people. This work, which broke the ban, later gained acclaim, saying, "Velasquez's other works are art, but this work is 'truth'" and rather raised Velázquez's reputation.
A successful exhibition at the Pantheon made Pareha an overnight celebrity in the art world, and Velázquez took this opportunity to petition Pareja for rights as a free citizen. Soon this petition was accepted, giving Pareha the status of a freedman and at the same time as Velázquez's formal apprentice, allowing him to begin his professional art studies. In 1654, Pareja graduated from Velazquez and began his career as an independent painter.

당시 벨라스케스는 이미 궁정화가로서 큰 성공을 거둔 스페인의 유명인사였고 그의 그림, 특히 초상화를 의뢰하기 위해 왕족과 귀족들이 줄을 서서 기다릴 정도였다. 이렇게 바쁜 와중, 1650년 로마 판테온에서의 전시회에서 벨라스케스는 당시 큰 논란을 몰고 온 새로운 초상화를 선보였는데, 바로 <후안 데 파레하의 초상(Juan de Pareja)>(1650)이다. 그의 작품 속에서 파레하는 당시 노예들은 입을 수 없었던 하얀 칼라를 두르고 있으며 꼿꼿하게 앉은 포즈로 화면 밖의 관객들을 당당하게 바라보고 있다. 또한 벨라스케스는 어둡고 무거운 색감을 작품에 주로 사용하며 그에게 진중하고 고급스러운 느낌을 더하며 그가 그린 것이 노예의 초상이라는 것을 망각하게 하였다. 

당시 금기로 여겨졌던 노예의 초상을 그리는 것은 매우 이례적인 일이었는 데다가, 왕실 화가로서 고귀한 사람들의 초상을 제작하던 벨라스케스의 작품이라 관객들은 더 큰 충격을 받았다. 금단을 깬 이 작품은 이후 “벨라스케스의 다른 작품들은 예술이지만, 이 작품은 ‘진실’이다.”라는 호평을 얻으며 오히려 벨라스케스의 명성을 드높였다.
판테온에서의 성공적인 전시로 파레하는 하룻밤 사이에 예술계의 유명 인사가 되었고, 이것을 기회로 벨라스케스는 파레하에게 자유민으로서 권리를 줄 것을 청원하였다. 곧 이 청원은 받아들여져 파레하는 자유민의 지위를 가짐과 동시에 벨라스케스의 정식 견습생으로 전문적인 미술 공부를 시작할 수 있게 되었다. 1654년, 파레하는 벨라스케스 밑에서 졸업하며 독립 화가로서의 경력을 시작했다.

Zu dieser Zeit war Velázquez bereits ein berühmter spanischer Hofmaler, der als Hofmaler großen Erfolg hatte, und Könige und Adlige standen Schlange, um seine Gemälde, insbesondere Porträts, in Auftrag zu geben. Inmitten eines so vollen Terminkalenders präsentierte Velázquez 1650 bei einer Ausstellung im Pantheon in Rom ein neues Porträt, das damals große Kontroversen hervorrief, nämlich <Juan de Pareja> (1650). In seiner Arbeit tragen Sklaven zur Zeit der Pareha weiße Kragen, die nicht getragen werden konnten, und blicken in aufrechter Haltung selbstbewusst auf das Publikum außerhalb der Leinwand. Darüber hinaus verwendet Velazquez in seinen Werken hauptsächlich dunkle und kräftige Farben, was ihm ein ernstes und luxuriöses Gefühl verleiht und uns vergessen lässt, dass es sich bei dem, was er malte, um das Porträt eines Sklaven handelt.

Es war sehr ungewöhnlich, Porträts von Sklaven zu zeichnen, die damals als tabu galten, und das Publikum war umso schockierter, als es sich um das Werk von Velázquez handelte, der als königlicher Maler Porträts von Adligen anfertigte. Dieses Werk, das gegen das Verbot verstieß, erlangte später Anerkennung mit der Aussage: „Velázquez‘ andere Werke sind Kunst, aber dieses Werk ist ‚Wahrheit‘“ und steigerte eher Velázquez‘ Ruf.
Eine erfolgreiche Ausstellung im Pantheon machte Pareha über Nacht zu einer Berühmtheit in der Kunstwelt, und Velázquez nutzte diese Gelegenheit, um bei Pareja die Rechte als freier Bürger einzufordern. Bald wurde dieser Petition stattgegeben, was Pareha den Status eines Freigelassenen verlieh und gleichzeitig Velázquez‘ formellen Lehrling wurde, der es ihm ermöglichte, sein professionelles Kunststudium zu beginnen. Im Jahr 1654 schloss Pareja sein Studium in Velazquez ab und begann seine Karriere als unabhängiger Maler.


Juan de Pareja, The Baptism of Christ, Oil on canvas, 229 × 353 cm, 1667 ©Museo Nacional del Prado, Madrid

Pareha presented works of a different style from that of his teacher, Velázquez. As can be seen in <The Baptism of Christ>(1667), one of his representative works, Pareha used stronger brush strokes than his master and showed intense color and contrast of light and shade, which is strong characteristic of early Italian Baroque art. Pareha, who had an excellent sense of color, made the most of his strengths and actively borrowed the Baroque style, which was modern at the time, where the contrast of colors was important, in his works. With this baroque-style work that allows you to feel a more lively narrative, he soon became one of Madrid's most sought-after painters.
However, despite his progressive and magnificent works, Pareha continued to be labeled as a slave. And after his death, only his origin and life reversal story were talked about rather than his paintings, and eventually pushed to the back of art history.

The story of Pareha resurfaced in art history in the 1920s, about 300 years after his death, through the research of the historian Arturo Alfonso Schomburg (1874–1938). Born in Puerto Rico, Schönburg was an important historian of the Harlem Renaissance, a study of the contributions of African Americans to society. Over the years, he collected literature, art, slavery stories, and other African historical materials, including Pareja's Works and research on them. Now, 400 years later, thanks to the efforts of Schönburg and other scholars, Pareha is regaining his reputation as a talented painter, and furthermore, the story of the slaves, the basis for the great culture of the 17th century Spanish Golden Age, was also newly illuminated.

Even though black art is attracting attention, there are still days when racial discrimination is rampant and the value of labor is not recognized. Through Pareha's story, I hope that it will be an opportunity to learn once again how to respect friendship and recognition beyond race and class, and respect for workers who do not receive the spotlight but work silently behind the scenes of society.

파레하는 스승인 벨라스케스와는 다른 화풍의 작품을 선보였다. 그의 대표작 중 하나인 <그리스도의 세례(The Baptism of Christ)>(1667)에서 보이듯이 파레하는 스승에 비해 더 강한 붓터치를 사용했으며 강렬한 색상과 명암의 대비를 보이는 초기 이탈리아 바로크 미술의 특징을 강하게 보여주고 있다. 색감에 대해 탁월한 센스를 가지고 있던 파레하는 자신의 장점을 최대한 살려 색감의 대비가 중요한, 당시로서는 현대적이었던 바로크 화풍을 작품에 적극적으로 차용하였다. 이렇게 더욱 생동감 넘치는 내러티브를 느낄 수 있는 바로크풍의 작품으로 그는 얼마 안되어 마드리드의 가장 인기있는 화가 중 한 명이 되었다. 그러나 진보적이고 웅장한 작품을 보여주었음에도 불구하고 파레하는 계속해서 노예 출신이었다는 꼬리표가 따라다녔고, 사후에는 그의 그림보다는 그의 출신과 인생역전 스토리만이 회자되다가 결국 예술사의 뒤안길로 밀리게 되었다. 

파레하의 이야기가 다시 예술사에 떠오른 것은 그의 사후 약 300년 뒤인 1920년대, 역사학자 아르투로 알폰소 쇰부르크(Arturo Alfonso Schomburg, 1874–1938)의 연구에 의해서이다. 푸에트리코 출신의 쇰부르크는 아프리카계 미국인이 사회에 기여한 바를 연구한, 할렘 르네상스의 중요한 사학자로로, 수년에 걸쳐 그는 문학, 예술, 노예 이야기 및 기타 아프리카 역사 자료를 수집했고 여기에 파레하의 작품과 연구도 포함되어 있었다. 쇰부르크를 비롯한 여러 학자들의 노력으로 400년이 지난 지금, 파레하는 다시금 한 명의 재능 있는 화가로서의 명성을 되찾고 있으며 더 나아가 17세기 스페인 황금기의 위대한 문화를 꽃 피울 수 있던 기반인 노예들의 이야기 역시 새롭게 조명되고 있다.

흑인 예술이 주목을 받고 있는 현재지만 여전히 인종차별은 만연하고 노동에 대한 가치는 인정받고 있지 못하는 날이 계속되고 있다. 파레하의 이야기를 통해 인종과 계급을 넘은 우정과 인정 그리고 스포트라이트는 받지 못하지만 사회의 뒤편에서 묵묵히 일하고 있는 노동자에 대한 존중의 방법을 다시 한번 배울 수 있는 기회가 되었으면 하는 바람이다.

Pareha präsentierte Werke eines anderen Stils als sein Lehrer Velázquez. Wie in „Die Taufe Christi“ (1667), einem seiner repräsentativen Werke, zu sehen ist, verwendete Pareha stärkere Pinselstriche als sein Meister und zeigte intensive Farben und Kontraste von Licht und Schatten, was ein starkes Merkmal der frühen italienischen Barockkunst ist. Pareha, der über ein ausgezeichnetes Gespür für Farben verfügte, nutzte seine Stärken und griff in seinen Werken aktiv auf den damals modernen Barockstil zurück, in dem der Kontrast der Farben wichtig war. Mit diesem Werk im Barockstil, das eine lebendigere Erzählung vermittelt, wurde er bald zu einem der gefragtesten Maler Madrids.
Doch trotz seiner fortschrittlichen und großartigen Werke wurde Pareha weiterhin als Sklave abgestempelt. Und nach seinem Tod wurde nur noch über seine Herkunft und die Geschichte seines Lebensumschwungs gesprochen und nicht mehr über seine Gemälde, was schließlich in der Kunstgeschichte in den Hintergrund gedrängt wurde.


Die Geschichte von Pareha tauchte in den 1920er Jahren, etwa 300 Jahre nach seinem Tod, durch die Forschungen des Historikers Arturo Alfonso Schomburg (1874–1938) wieder in der Kunstgeschichte auf. Der in Puerto Rico geborene Schönburg war ein wichtiger Historiker der Harlem Renaissance, einer Studie über den Beitrag von Afroamerikanern zur Gesellschaft. Im Laufe der Jahre sammelte er Literatur, Kunst, Sklavereigeschichten und andere afrikanische historische Materialien, darunter Parejas Werke und Forschungen dazu. Jetzt, 400 Jahre später, gewinnt Pareha dank der Bemühungen Schönburgs und anderer Gelehrter seinen Ruf als talentierter Maler zurück, und darüber hinaus war die Geschichte der Sklaven die Grundlage für die große Kultur des spanischen Goldenen Zeitalters des 17. Jahrhunderts auch neu beleuchtet.

Auch wenn schwarze Kunst Aufmerksamkeit erregt, gibt es immer noch Tage, an denen Rassendiskriminierung weit verbreitet ist und der Wert der Arbeit nicht anerkannt wird. Ich hoffe, dass Parehas Geschichte eine Gelegenheit sein wird, noch einmal zu lernen, wie man Freundschaft und Anerkennung über Rasse und Klasse hinaus respektiert und Arbeiter respektiert, die nicht im Rampenlicht stehen, sondern still hinter den Kulissen der Gesellschaft arbeiten.


Juan de Pareja, The Calling of Saint Matthew, Oil on canvas, 225 × 325 cm, 1661 ©Museo Nacional del Prado, Madrid


뉴욕 메트로폴리탄미술관 Jason Farago,

‘A Familiar Face at the Met, Now in His Own Light’, The New York Times, 7/4/2023

Jacqui Palumbo,

‘This once enslaved 17th century artist was misunderstood for centuries. A new exhibition rewrites his story’,

CNN Style, 6/4/2023


Written by

Kate Kim

Published,  Copyright by 

ART?ART! Editor Team



2023. 05.31

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