LEE JI YOUNG by ART?ART!MAGAZINE

예술은 때로 언어가 닿지 못하는 지점에서 비로소 가장 선명한 목소리를 낸다. AM1257 크루의 대표이자 배우인 <이지영>은 연극을 기반으로 퍼포먼스, 사진, 미디어 아트 등 다양한 시각 예술의 줄기를 접목하며 융합 예술의 행보를 전개해왔다. 그녀가 전개하는 작업의 핵심은 비일상적인 신체를 이용한 비언어적인 소통을 다루는 데 있다. 이를 통해 관객들이 일상에서 벗어나 새로운 사고를 하고, 그 속에서 생겨나는 자기 자신을 찾기를 바라는 마음으로 창작에 임한다고 밝히기도 했다.

연극으로 예술 활동을 시작했던 그녀는 배역이 하고 싶은 말이 작가와 관객, 그리고 사회에게 하고 싶은 말로 전달되는 과정을 관찰하며 자신만의 장르를 구축할 필요성을 느꼈다고 전했다. 퍼포먼스는 무한한 작품 속에 살아 숨 쉬는 인간의 등장이 전시장 전체에 입체감을 부여하며, 공간 자체가 관객과 함께 숨을 쉬게 만든다는 점에서 매력적인 매체가 된다. 회화나 사진과는 다르게 유한한 움직임 속에서 시작과 끝이 존재한다는 점 또한 그녀가 신체 언어에 몰두하게 되었던 이유였다.

Art sometimes finds its clearest voice precisely where language fails to reach. Lee Ji-young, an actor and the representative of the AM1257 crew, has pursued a path of interdisciplinary art, grafting various visual art forms—such as performance, photography, and media art—onto a foundation of theater. Her work centers on non-verbal communication utilizing the body in ways that transcend the ordinary. She has stated that her creative process is driven by the hope that audiences will step outside their daily routines to engage in new ways of thinking and discover their true selves in the process.

Having begun her artistic career in theater, she felt the need to forge her own unique genre after observing how the words a character wishes to convey could resonate with the playwright, the audience, and society at large. Performance art holds a unique appeal because the presence of a living, breathing human being within the work adds a sense of dimensionality to the entire exhibition space, allowing the space itself to breathe alongside the audience. Another reason she became deeply engaged with body language was the nature of performance itself: unlike painting or photography, it unfolds through movements that are finite, possessing a distinct beginning and end.

Kunst spricht manchmal am deutlichsten dort, wo Sprache versagt. Lee Ji-young, Vertreterin der AM1257 Crew und Schauspielerin, verfolgt einen Weg der Konvergenzkunst, indem sie verschiedene Bereiche der visuellen Kunst – wie Performance, Fotografie und Medienkunst – auf der Grundlage des Theaters integriert. Im Zentrum ihrer Arbeit steht die Auseinandersetzung mit nonverbaler Kommunikation durch den unkonventionellen Körper. Sie erklärt, dass sie sich in ihrer kreativen Arbeit der Hoffnung widmet, dass das Publikum dadurch dem Alltag entflieht, neue Denkweisen entwickelt und die im Prozess entstehenden Facetten seines Selbst entdeckt.

Nachdem sie ihre künstlerische Laufbahn im Theater begonnen hatte, erklärte sie, dass sie das Bedürfnis verspürte, ihr eigenes, einzigartiges Genre zu etablieren, während sie den Prozess beobachtete, durch den die Botschaft einer Figur an den Autor, das Publikum und die Gesellschaft vermittelt wird. Performance ist ein faszinierendes Medium, da das Erscheinen eines lebendigen, atmenden Menschen in einem unendlichen Werk dem gesamten Ausstellungsraum Dreidimensionalität verleiht und ihn so gemeinsam mit dem Publikum atmen lässt. Die Tatsache, dass im Gegensatz zur Malerei oder Fotografie bei endlicher Bewegung ein Anfang und ein Ende existieren, war auch ein Grund dafür, dass sie sich intensiv mit Körpersprache auseinandersetzte.

관객들이 제 작품을 보시고 일반적이고 보편적인 사고를 하기보다 주관적이고 지극히 개인적으로 바라봐 주시길 바랍니다. 공간에 들어섰을 때 제 퍼포먼스를 보시는 잠깐 동안이라도 그 순간만큼은 독립적인 사유를 하시길 바랍니다. 추상적이고 형식의 틀이 없다 보니 관객들이 어렵게 보시거나 거부감을 보이시는 경향이 있는데, 그 간극을 줄이기 위해 스토리 라인에 힘을 쓰고 사물이나 음향으로도 표현하고 있습니다.

I hope that when the audience views my work, they approach it from a subjective and deeply personal perspective rather than through conventional or universal modes of thinking. I want them to engage in independent reflection—even if only for the brief moment they are in the space witnessing my performance. Because the work is abstract and lacks a fixed structure, audiences sometimes find it difficult or feel a sense of resistance; to bridge this gap, I focus on developing a narrative and incorporating elements such as objects and sound into the expression.

Ich hoffe, dass die Zuschauer mein Werk subjektiv und zutiefst persönlich betrachten, anstatt sich in allgemeinem und universellem Denken zu verlieren. Ich wünsche mir, dass sie, wenn sie den Raum betreten, und sei es nur für den kurzen Moment meiner Performance, in eigene Reflexionen versinken. Da das Werk abstrakt ist und keinem formalen Rahmen folgt, besteht die Tendenz, dass es für das Publikum schwer zugänglich ist oder eine gewisse Abneigung hervorruft. Um diese Kluft zu überbrücken, konzentriere ich mich auf die Handlung und drücke mich durch Objekte und Klänge aus.

그녀의 작업 스타일은 전달하고자 하는 메시지를 함축적으로 모아 몸으로 표현해내기 전, 다양한 작품을 먼저 만드는 과정을 거친다. 김상현 작가의 글을 기반으로 한 영상 작업을 시작으로, '공간의 기억법' 전시에서는 조그마한 창고에 들어가 크레파스로 상형문자나 그림을 새기는 '굴에 사는 사람' 퍼포먼스를 선보인 바 있다. 이는 행하는 순간 사라지는 말이나 행동을 기억하고 남기기 위해 과거 동굴에 벽화를 그리던 선조들에게서 영감을 받은 작업이었다. 또한 '젠더레션' 전시에서는 갈등 자체를 따뜻한 시선으로 바라보길 바라는 마음을 담아, 배우가 다리가 세 개인 의자와 소통하고 공존하는 '다리가 세 개인 의자' 퍼포먼스를 구현해냈다.

Her creative process involves producing various preliminary works to distill and embody the intended message before the final performance. Building on a video project based on the writings of Kim Sang-hyun, she presented the "Person Living in a Cave" performance during the *Methods of Remembering Space* exhibition; in this piece, she entered a small storage space and etched pictographs or drawings using crayons. This work drew inspiration from ancestors who painted cave murals to preserve memories of words and actions that would otherwise vanish the moment they occurred. Additionally, for the *Genderation* exhibition, she created the "Three-Legged Chair" performance—featuring an actor interacting and coexisting with a three-legged chair—to convey a desire for viewing conflict itself with a warm, compassionate perspective.

Ihr Arbeitsstil beinhaltet die Schaffung verschiedener Werke, bevor sie implizit die Botschaft erfasst, die sie vermitteln möchte, und diese dann durch ihren Körper ausdrückt. Ausgehend von einer Videoarbeit, die auf den Schriften des Künstlers Kim Sang-hyun basiert, präsentierte sie die Performance „Menschen in der Höhle“ in der Ausstellung „Erinnerung an den Raum“. Dabei betrat sie eine kleine Lagerhalle und ritzte Hieroglyphen oder Zeichnungen mit Wachsmalstiften ein. Diese Arbeit ist inspiriert von unseren Vorfahren, die Höhlenmalereien anfertigten, um Worte oder Handlungen zu erinnern und zu bewahren, die im Moment ihrer Ausführung verschwanden. In der Ausstellung „Genderation“ realisierte sie außerdem die Performance „Dreibeiniger Stuhl“, in der eine Schauspielerin mit einem dreibeinigen Stuhl kommuniziert und koexistiert, in der Hoffnung, dass Konflikte selbst mit einer wohlwollenden Perspektive betrachtet werden.

아티스트로서의 위치를 규정하기보다 모두가 같은 곳을 바라보며 끝까지 그 방향을 유지하는 것이 중요하다고 믿는 <이지영>. 자연만큼 스토리텔링이 뚜렷한 공간이 없다고 생각하기에 자연을 다루는 예술인들과의 협업을 구상하기도 했다. 자신만의 생각이 남들과 다르다고 부정하지 말고 그것을 바라보고 나누길 바란다는 그녀의 메시지는, 캔버스 너머의 관객에게 개별적인 사유의 소중함을 건네며 단단한 예술적 대화를 이어가고 있었다. 마지막까지 자신의 이름 석 자를 작품으로 남기고 싶다는 그녀의 행보는 비일상의 공간 속에서 여전히 살아 숨 쉬고 있다.

Lee Ji-young believes that rather than defining her status as an artist, it is more important for everyone to look toward the same goal and steadfastly maintain that direction. Viewing nature as a realm with a uniquely powerful narrative, she has even envisioned collaborations with artists who work with the natural world. Her message—encouraging people to acknowledge and share their unique perspectives rather than dismissing them—conveys the value of individual reflection to the audience beyond the canvas, fostering a profound artistic dialogue. Her journey, driven by the desire to leave her name as a lasting work of art, continues to breathe and thrive within the realm of the extraordinary.

Lee Ji-young ist überzeugt, dass es wichtiger ist, gemeinsam in dieselbe Richtung zu blicken und diesen Weg bis zum Ende zu verfolgen, als ihre Position als Künstlerin selbst zu definieren. In der Überzeugung, dass kein Raum so einzigartig erzählerisch ist wie die Natur, hat sie auch Kooperationen mit Künstlern angestrebt, die mit der Natur arbeiten. Ihre Botschaft – die Hoffnung, dass man seine eigenen, einzigartigen Gedanken nicht verleugnen sollte, nur weil sie sich von anderen unterscheiden, sondern sie vielmehr beobachten und teilen sollte – setzt einen wichtigen künstlerischen Dialog fort und vermittelt dem Publikum jenseits der Leinwand die Kostbarkeit individueller Kontemplation. Ihr Weg, angetrieben von dem Wunsch, ihren Namen bis zum Schluss in ihren Kunstwerken zu hinterlassen, lebt und atmet weiterhin im Raum des Außergewöhnlichen.